THE MAGIC HOUR - UNE FIN DE SIECLE AU CINEMA

Ecrit par un critique d'art britannique, Violent America. Les films (1946-1964) étudie la violence dans un certain type de films américains, soit les westerns, films noirs, films de gangster, etc. Plutôt que de se focaliser sur le pur langage cinématographique et de se concentrer sur le montage, le plan panoramique, la contre-plongée, etc. , Lawrence Alloway procède à une étude iconologique des films, s'attachant à rechercher les conventions régissant les cycles de films sans jamais se fixer sur LE chef-d'oeuvre qui concentrerait toutes les analyses. Le film est pour lui une oeuvre d'art totale, un Gesamtkunstwerk, qui n'est pas uniquement l'oeuvre de son réalisateur, mais des acteurs, producteurs, et même du public, dont les préférences potentielles sont prises en compte pour que le film puisse être un succès. Alloway s'appuie sur un corpus très étendu de films d'après-guerre, entre 1946 et 1964, pour montrer comment la thématique de la violence telle qu'elle est montrée dans les films s'est modifiée fortement à cette période, passant d'une violence presque invisible à un déferlement de sang et de morts. Il faut dire que l'Amérique, dans ces années-là, sort de la Deuxième Guerre mondiale, de la guerre de Corée, et est au coeur de la guerre du Vietnam ; c'est aussi l'époque des assassinats des Kennedy, de Martin Luther King. Si l'ouvrage date de 1971, il n'a rien perdu de son intérêt et de son actualité. Intérêt de lire ce regard inédit d'un critique d'art britannique qui applique entre autres les concepts de l'histoire de l'art sur le cinéma américain d'après-guerre. Et actualité de la question de la violence au cinéma, notamment américain, dont on suit grâce à lui l'évolution dans les films. Cet ouvrage a été publié à l'occasion d'une programmation de films donnée au MoMA en 1971, mise sur pied par l'auteur, Lawrence Alloway. Cette programmation a fait date et a rendu populaires, voire iconiques, les films proposés.

Résumé : Ce livre analyse les images tournées par les manifestants lors des soulèvements arabes de 2011, en ce qu'elles permettent une mémoire du futur. Réalisées avec des téléphones portables, diffusées ensuite sur internet, ces nombreuses images ne relèvent pas forcément de l'aliénation spectaculaire, mais constituent une manière de faire histoire. A contre-courant de l'héroïsation ou de la victimisation, ces vidéos et diaporamas anonymes sont irréductibles à un message. Plusieurs films ayant montés ces images sont évoqués (Stefano Savona, Peter Snowdon). Révoquant l'alternative entre irreprésentable et exhibition de l'horreur, le livre défend le droit à l'image digne. Les images des soulèvements sont réinscrits dans les problématiques de leur diffusion, suscitées par le cinéma et la télévision. L'auteur revient sur les ressorts de la propagande de Daech, sur ses mécanismes et son nihilisme.

L'ouvrage rend compte du travail accompli par les jurys successifs de La Fondation des artistes et du foisonnement d'oeuvres qui a pu voir le jour grâce à ce soutien. Au rythme de deux commissions par an, ce singulier soutien à la production d'oeuvres d'art expérimentales, ambitieuses et parfois déterminantes dans la carrière des artistes confirmés ou émergents qui en bénéficient, a permis à la Fondation d'être partie prenante, avec exigence, de l'essor de la création contemporaine en France. La peinture, la sculpture, le dessin, la photographie, le graphisme, la vidéo, l'installation, la performance... toutes les formes de la création ont leur place auprès des membres du jury, experts dans le champ international de l'art contemporain. Au total, 460 artistes ont été soutenu depuis 10 ans. Leurs oeuvres ont été conçues, produites, parfois primées, montrées en France et à l'étranger dans les centres d'art, les FRAC, les galeries, les foires, les musées... et sont entrées pour certaines dans les collections publiques et privées.

Pour son Contrepoint contemporain au musée de l'Orangerie. Amélie Bertrand a installé dans le pronaos juste avant les "Nymphéas" de Claude Monet, sa propre série de paysages. Ces oeuvres, peintes en pensant au mettre impressionniste, traduisent, elles aussi, une variété d'humeurs, de saisons et de qualités de lumière. Alors que près d'un siècle sépare leurs pratiques respectives, les deux artistes sont confrontés au mémo défi pictural fondamental : comment capturer le paysage de manière à ce que nous, spectateurs, comprenions non seulement à quoi ressemble un lieu, mais aussi - et surtout- ce que l'on ressent en s'y trouvant.