Extrait de l'introductionL'ORDRE OU L'EFFETClassicisme et baroque se partagent l'Europe au XVIIe siècle, et le second se prolongera, dans la phase maniériste ornementale du style «rocaille «Jusqu'à la réaction néoclassique et le retour à l'antique dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Mais la domination baroque apporte, dans le concert européen, des idées et des formes - associées aux mutations politiques, sociales et religieuses de l'époque - si nouvelles et si fortes que le classicisme pourrait n'apparaître que comme son antithèse ou son contrepoint. S'il représente la mesure et la raison tandis que le baroque se complaît dans le mouvement et l'effet, ces deux courants ne sont pas antinomiques: également attachés à la représentation, ils ne s'opposent pas. Le classicisme s'est surtout exprimé dans l'architecture, le baroque dans la peinture et les arts décoratifs; le premier fait appel à la construction par la forme fermée, qu'il définit et isole, le second s'adresse aux sens à travers la forme ouverte, s'étend à l'environnement et conquiert l'espace. Néanmoins, classicisme et baroque ne constituent pas des styles unitaires, mais comportent de nombreuses variantes selon les pays, les sociétés et la religion.«Le style baroque naît chaque fois que dépérit un grand art, assurait Nietzsche. Lorsque, dans l'art d'expression classique, les exigences sont devenues trop grandes, il se présente comme un phénomène naturel...»A cette affirmation l'historien d'art Eugenio d'Ors répliquait: «Les deux inspirations se valent. Il existe un style d'économie et de raison, un autre de musique et d'abondance. Le premier aime les formes stables et qui pèsent, l'autre les formes contournées qui s'envolent. De celui-là à celui-ci, ni décadence ni dégénérescence. Ce sont deux formes de sensibilité éternelles.»Lié à la renaissance religieuse de la Contre-Réforme, le baroque s'est rapidement détourné de sa vocation spirituelle pour se transformer en une rhétorique d'action qui, née en Italie où elle a reçu l'essentiel de son contenu esthétique, a été aussitôt adoptée par l'Espagne, les pays germaniques et les Flandres. Art du catholicisme militant et triomphant défini par le concile de Trente (1545-1563), le baroque rencontrera de vives résistances dans les pays acquis à la Réforme; il marquera néanmoins les artistes protestants, Rembrandt notamment.Si le baroque possède, hors de son berceau italien, quatre grands territoires d'expansion et de conquête, l'Espagne, les Pays-Bas catholiques, l'Allemagne et l'Autriche, on ne saurait négliger un important prolongement polono-russe en Europe centrale, et une exubérante floraison coloniale dans le Nouveau Monde. La France, qui participe à l'effort de renouveau spirituel et moral de la Contre-Réforme, et à sa croisade en faveur des images récusées par la Réforme, ne prend pas ses leçons en Italie; elle choisit une voie différente qui fera d'elle le foyer de résistance au baroque par excellence et le lieu d'élection du classicisme. L'Angleterre constitue un autre centre de refus, mais c'est plus par indifférence ou mépris des courants continentaux que par volonté délibérée, comme en France.Politiquement et socialement, le baroque est lié à l'Europe hiérarchisée du Saint Empire romain germanique, de la puissante monarchie espagnole et de ses colonies américaines, de l'Italie des papes et des duchés; l'art français se défiera toujours de cet impérialisme internationaliste, comme d'ailleurs des forces irrationnelles, des excès de la passion. Il restera maître de lui. «Le classique, disait Goethe, c'est ce qui est sain.»Le classicisme, auquel la France du XVIIe siècle s'identifie, se définit clairement à partir des virtualités de la Renaissance, non point contre les courants baroques qui exercent plus ou moins leur influence sur elle, mais comme une réaction de bon sens réaliste, d'ordre, de sobriété et de raison. Ainsi, l'art français affirme son identité qui n'accepte guère, même s'il y succombe parfois, les ingérences étrangères. Il oppose son individualisme à l'internationalisme baroque.
Cette biographie de l'oeuvre de Picasso est un classique. Elle reparaît aujourd'hui en une édition nouvelle, refondue, complétée et mise à jour. Alors que se multiplient les expositions consacrées à Pablo Picasso, occasions et prétextes à des monographies ou à des études spécialisées, il a semblé utile de recenser tout ce que l'on peut connaître du Maître. Cette vaste étude vise d'abord à la compréhension de la nature protéiforme d'une oeuvre qui a épousé, quand elle ne les a pas impulsés, les courants majeurs du XX ? siècle artistique. Pierre Cabanne nous restitue le portrait mental d'un génie.
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La référence de la langue française au format poche ! Des définitions claires et précises pour chaque mot et chaque sens. De nombreux exemples d'emploi et la mention des niveaux de langue. Des remarques précieuses sur la prononciation, la grammaire et l'orthographe. De nombreuses expressions et locutions. 84 tableaux de conjugaison. 8000 noms propres : lieux, événements, grandes personnalités... Des articles encyclopédiques. Un panorama des 300 plus beaux proverbes de la langue française. + Un précis de grammaire.
Le Corbeau berné par le rusé Renard, le prétentieux Geai rabaissé en tentant de se faire passer pour un Paon, la malicieuse Fourmi se moquant des déboires de la pauvre Cigale... les Fables de Jean de La Fontaine sont des leçons de vie encore enseignées aujourd'hui. Cette édition réunit 30 fables spécialement choisies pour comprendre la modernité de cette oeuvre intemporelle et indémodable. Partez à la rencontre de tous ces animaux, suivez-les dans leurs aventures et découvrez la morale de chaque histoire !
Que signifie ce nom "Candide": innocence de celui qui ne connaît pas le mal ou illusion du naïf qui n'a pas fait l'expérience du monde? Voltaire joue en 1759, après le tremblement de terre de Lisbonne, sur ce double sens. Il nous fait partager les épreuves fictives d'un jeune homme simple, confronté aux leurres de l'optimisme, mais qui n'entend pas désespérer et qui en vient à une sagesse finale, mesurée et mystérieuse. Candide n'en a pas fini de nous inviter au gai savoir et à la réflexion.
Résumé : Vous avez du mal à changer vos habitudes ? Le problème ne vient pas de vous, mais des moyens que vous utilisez. Les mauvaises habitudes se répètent non pas parce que vous ne voulez pas changer, mais parce que vous utilisez des moyens incompatibles avec le changement. Un rien peut tout changer vous propose une méthode efficace qui va bousculer vos habitudes ! Quels que soient vos objectifs, ce livre vous apporte les clés pour vous améliorer progressivement, grâce à de petits changements quotidiens. Il vous offre des stratégies pratiques vous permettant de parfaitement maîtriser d'infimes actions menant à des résultats concrets. Créez de bonnes habitudes, abandonnez les mauvaises ! Expert mondial en matière de création d'habitudes, James Clear est réputé pour sa capacité à transformer des processus complexes en comportements simples facilement applicables à la vie quotidienne et au travail. Il s'appuie sur des concepts issus de la biologie, de la psychologie et des neurosciences pour vous aider à modifier vos agissements. Emaillé d'histoires vraies, Un rien peut tout changer transforme radicalement votre vision du progrès et vous donne les techniques nécessaires pour changer enfin vos habitudes ! James Clear est un auteur et conférencier spécialiste des habitudes, de la prise de décision et de l'amélioration continue. Ses travaux sont régulièrement publiés dans le New York Times, Time et Entrepreneur ; il participe également à CBS This Morning. The Habits Academy est la première plateforme de formation destinée aux particuliers et professionnels souhaitant développer de meilleures habitudes au quotidien.
Héritière d'une richissime famille juive américaine, Peggy Guggenheim (1898-1979) a rassemblé une des plus belles collections au monde d'art moderne. Excentrique, anticonformiste, libertine, Peggy Guggenheim éprouve un goût effréné pour l'art et les artistes. Après-guerre, sur les conseils d'André Breton, elle expose à Londres Kandinsky, Calder ou Brancusi. Venue à Paris, elle achète un tableau par jour, aide Giacometti et Picasso, puis elle part à New York où elle épouse Max Ernst. En 1942, sa galerie Art of this Century révèle au public les surréalistes européens et la jeune avant-garde américaine ? Jackson Pollock, Mark Rothko. En 1949, installée à Venise, au bord du Grand Canal, dans un palais du XVIIIe siècle, elle expose une somptueuse collection que le monde entier admire encore aujourd'hui.
En 1985, Marc Chagall, le dernier patriarche de la Côte d'Azur après Matisse et Picasso, s'éteignait à Saint-Paul-de-Vence dans sa quatre-vingt-dix-huitième année. L'Ecole de Paris peut s'enorgueillir d'avoir permis à nombre d'artistes étrangers de s'épanouir en son sein : Chagall en est l'un des pionniers les plus singuliers. "Ivre d'images", disait Malraux, qui lui avait commandé le plafond de l'Opéra de Paris. Celui qui a peint l'univers du "shtetl" juif à Vitebsk, mais aussi ses rêves, ses amours, le monde du cirque, et le message universel de la Bible, demeure aujourd'hui le conteur merveilleux d'une poétique universelle et intemporelle, fondée sur l'image canonique de Dieu et des hommes. Daniel Marchesseau retrace les itinéraires de ce Russe, déraciné à deux reprises, monté aujourd'hui au firmament, dans ces cieux qu'il a, durant sa longue vie, su peindre et enluminer.
Dalí en 400 images propose un parcours complet de l'oeuvre d'un des peintres surréalistes les plus significatifs du xxe siècle. Ce livre propose une sélection d'oeuvres qui met en lumière non seulement les créations emblématiques de Salvador Dalí, mais également des pièces moins connues, telles que des dessins et des objets surréalistes. Couvrant l'ensemble de sa carrière, cet ouvrage illustre la richesse créative de Dalí, depuis ses débuts inspirés par le post-impressionnisme et son engagement dans le mouvement cubiste des années 1920, jusqu'aux oeuvres surréalistes emblématiques des années 1930. Il retrace également sa période américaine dans les années 1940, son retour au classicisme dans les années 1950, ainsi que son engagement renouvelé dans l'expérimentation d'avant-garde à partir des années 1960. L'auteur, William Jeffett, est conservateur au Musée Dali à St Petersburg en Floride.
Son visage, qu'elle a inlassablement peint tout au long de sa courte vie, est l'un des plus célèbres de l'histoire de l'art. Icône de l'art mexicain, Frida Kahlo a bâti sa propre légende, qu'elle a aussi bien transposée sur la toile qu'incarnée dans sa vie quotidienne. "Je n'ai jamais peint mes rêves, j'ai peint ma propre réalité" , affirmaitelle. Gravement meurtrie dans sa chair lors d'un terrible accident, consumée par sa passion dévorante pour Diego Rivera, l'artiste a transcendé ses souffrances par la peinture. A la force de son pinceau, elle a affronté ses tourments pour s'imposer comme une femme et une peintre libres. Dans son atelier de la Casa Azul, s'affranchissant du carcan des avant-gardes européennes et de tous les codes moraux et artistiques, Frida Kahlo a façonné une oeuvre habitée par son histoire personnelle, ses idéaux politiques et les traditions ancestrales mexicaines. Noirceur et allégresse, amour et violence, sensualité et pulsion de mort : sa peinture se lit comme un oxymore qui dit tout de la personnalité magnétique de cette artiste révolutionnaire, l'une des plus fascinantes et puissantes figures de l'histoire de l'art du xxe siècle. La collection L'ART+GRAND, présentée dans une reliure luxueuse, propose, à travers un texte didactique, de découvrir les plus grands artistes de l'histoire de l'art. En plus d'une cinquantaine de toiles parmi les plus célèbres, l'ouvrage reproduit six tableaux exceptionnels sous forme de dépliants grand format qui permettent d'observer ces chefs-d'oeuvre dans les moindres détails. Cette collection offre ainsi une immersion inédite dans la matière et la touche picturale.